segunda-feira, 21 de maio de 2018

Cinco propiedades del vino que seguramente no conocías

Mitos del vino sobre la salud, muy extendidos, y que son erróneos



Confundir un destilado con un fermentado, el alcohol con la bebida que lo contiene, las calorías con los macronutrientes y un largo etcétera, hacen que numerosas veces existan muchos mitos en torno al vino.
Además la generalización de las bebidas, sin distinguir las sustancias que las integran provoca una gran desinformación en la sociedad, además de que existen grandes diferencias en cuanto a los aspectos saludables.
Comprender las siguientes propiedades del vino, que probablemente no conocías, es fundamental a la hora de entender los beneficios que aporta esta saludable bebida.
Vendimia
1. EL VINO TIENE VITAMINAS Y MINERALES
El vino está hecho con fruta, el vino contiene un único ingrediente: uvas. Por tanto, es de esperar que un producto natural que procede de zumo de uvas, sin aditivos, contenga las propiedades de la fruta.
Aunque no en grandes cantidades, si es cierto que el vino posee vitaminas. Además el vino tiene muchos minerales, en concreto contiene cantidades importantes de minerales como zinc o hierro, entre muchos otros (en el vino existen más de 10 oligoelementos esenciales). Si deseas conocer más acerca de la composición del vino, puedes informarte aquí.
2. LOS HIPERTENSOS PUEDEN TOMAR VINO
El consumo habitual de vino no afecta a la presión arterial ni tampoco a los riñones. El vino es una bebida hiposódica, al poseer un contenido de sodio inferior a 50 mg por litro.
El contenido promedio de sodio en una copa de vino es de tan solo 5 mg. Para hacernos una idea del bajo contenido que esto supone, diremos que para los adultos la OMS recomienda no consumir más de  5.000 mg por día. Si te interesa conocer la composición de sales minerales en el vino, puedes leer este artículo.
El vino posee baja graduación alcohólica, en promedio un 14% vol, unido a que lógicamente debe ser consumido de manera correcta, esto es, una o dos copas al día como máximo, la cantidad de alcohol por copa es baja y no afecta a la hipertensión.
El alcohol eleva la presión arterial cuando se consume de manera excesiva, pero consumos moderados y bajos no la alteran, es más, existen muchos estudios que demuestran el efecto cardiosaludable del vino en particular, tomado siempre con moderación.
3. LAS MUJERES TOLERAN EL ALCOHOL EXACTAMENTE IGUAL QUE LOS HOMBRES
Existen muchos factores que alteran la tasa metabólica, pero el sexo no es una de ellas. Las mujeres metabolizan el alcohol igual que los hombres. La tasa metabólica de etanol varía mucho de un individuo a otro, pero no entre sexos.
El peso, la actividad física y el hábito de consumo, son los factores que más influyen. Las mujeres, contrariamente a lo que se dice, pueden tomar la misma cantidad de alcohol que los varones, siempre de manera proporcional a su peso, esto es, la tasa metabólica de una mujer de 60 kilos es igual a la de un hombre de 60 kilos.
Se suele atribuir una peor metabolización del alcohol en las mujeres debido a que, por un lado las mujeres pesan en promedio menos que los hombres; y por otro, debido a una mayor proporción de tejido adiposo en su cuerpo, lo que provoca que, aunque metabolizan igual, lo hacen más lentamente (efecto lagunaje). En todo caso, la tasa metabólica es igual en mujeres que hombres.
4. EL ALCOHOL NO ENGORDA, EL VINO SÍ (PERO MUY POCO)
El etanol, el alcohol mayoritario, así como el resto de alcoholes presentes en el vino (y otras bebidas con contenido alcohólico) posee poder energético pero no es útil para el organismo, es decir no es un macronutriente.
Los macronutrientes, de los cuales el organismo aprovecha toda su energía, son: los hidratos de carbono, las grasas o lípidos y las proteínas. El alcohol posee poder energético, pero no es un macronutriente, y sigue un recorrido diferente a ellos en el organismo, que trata de desecharlo de manera inmediata, pasando directamente al hígado, donde se degrada y se elimina.
Los micronutrientes, los oligoelementos de los alimentos y las vitaminas, así como el alcohol no engordan. Por el contrario los macronutrientes (las grasas, los carbohidratos y las proteínas) sí.
Según diversos estudios, el cuerpo humano no convierte el alcohol en grasa, ni en músculo. Su aporte energético posee un moderado índice glucémico (similar a los carbohidratos) que pasa a la sangre, pero que es absorbido de manera inmediata, especialmente en su propia degradación en el hígado.
Ahora bien, alcohol aparte, el vino sí posee macronutrientes, pero estos engordan mucho menos de lo que se cree. El vino es 85% agua y 14% alcohol, que como hemos visto no es un macronutriente ni engorda. El 1% restante son ácidos, oligoelementos y azúcar. El vino no contiene ningún tipo de grasas ni colesterol.
El azúcar del vino, llamado azúcar residual, es el único macronutriente (carbohidrato) que asimila el organismo y que por tanto engorda. Ahora bien, teniendo en cuenta que 1 gramo de azúcar posee unas 4 calorías, y excluyendo el alcohol del coteo calórico, el vino engordará tanto como azúcar posea. La mayor parte de vinos existentes en el mercado poseen un bajo contenido en azúcar con menos de 5 gramos por litro, lo que representa apenas 1 gramo de azúcar en una copa, es decir, unas 4 calorías (o incluso menos).
Eso sí, si tomas una copa de vino dulce, Pedro Ximenez, Vinos de Hielo, Tostados o similares, y también cavas o cualquier otro espumoso semiseco, el contenido de azúcar puede ser significativamente superior (más de 30 gramos por litro), lo que supondría un mínimo de 25 calorías por copa, con potencial de transformarse en grasa abdominal. Si deseas conocer cuánto azúcar tiene cada tipo de vino, quizá te interese este artículo.
5. LOS SULFITOS NO PRODUCEN RESACA, NI DOLOR DE CABEZA
Existe un gran mito sobre los sulfitos. Todos los vinos poseen sulfitos porque se producen de manera natural durante la fermentación. El pan, el queso, el yogur o la cerveza también poseen sulfitos. El anhídrido sulfuroso es una sustancia natural presente en muchos alimentos.
Si bien la mayoría de vinos posee sulfitos añadidos a los ya presentes de manera natural, tal y como indican sus etiquetas, los sulfitos no son los responsables de la resaca, ni producen dolor de cabeza, ni sensibilidad al vino.
Según los estudios más recientes, los responsables de todos estos efectos son en realidad las histaminas. Los vinos con elevados contenidos en histamina pueden provocar en personas sensibles una alteración denominada histaminosis, con dolores de cabeza, sensibilidades y, en caso más extremos, cuadros alérgicos. Si quieres saber más sobre las histaminas y el vino, puedes leer este artículo.
OTROS MITOS DEL VINO
(PERO CON CONSIDERACIONES)

Medicamentos
Con el vino se pueden tomar medicamentos. Beber vino de manera moderada (una o dos copas), sobre todo si es acompañando a las comidas, no es incompatible con la toma de la mayoría de los medicamentos de uso común.
Sin embargo, existen ciertos medicamentos que sí pueden reaccionar con el alcohol y provocar efectos no deseados. También existen algunos medicamentos que provocan efectos secundarios despreciables y poco dañinos.
Por ejemplo, la mayor parte de analgésicos, antiinfecciosos, antiinflamatorios y antibióticos existentes en el mercado no provocarán ningún efecto secundario si tomas una copa de vino en la comida; y, en el peor de los casos, podrían provocar algo de sueño o acalaromiento, pero nada más.  En cualquier caso, siempre se debe respetar la prescripción médica y farmacéutica.
Diabéticos
Los diabéticos pueden beber casi cualquier tipo de vino, siempre que se haga de manera moderada y sean secos o con menos de 2 gramos de azúcar/litro. La mayoría de vinos que se comercializan se encuentran dentro de este rango. Por otro lado, si lo que deseas es prevenir esta enfermedad, sigue una dieta saludable, haz ejercicio y toma vino con moderación, tal y como se desprende de este estudio danés.
No obstante, hay que tener precaución con aquellos vinos semisecos y dulces, así como tener siempre presente el tipo de diabetes y las recomendaciones generales para diabéticos y bebidas alcohólicas (alimentación, control de glucemia,...) e, igual que en el punto anterior, consultar siempre con el médico.
Embarazadas
El alcohol está contraindicado en embarazadas. Una recomendación que se realiza la mayor parte de las veces de forma instintiva, más como una manera de precaución que de razón.
Sin embargo, en el caso del vino, una pequeña copa de vez en cuando no es absolutamente dañina para el feto. Existen varios estudios clínicos y rigurosos que así lo han demostrado, siempre que la madre tome solo una copa de vino, preferiblemente tinto, con las comidas.
De hecho, recientes estudios han llegado a la conclusión de que una mala nutrición de la madre. o el hecho de fumar mucho, tiene mayor incidencia en el feto que el consumo moderado de vino. Aquí tienes más información sobre el vino durante el embarazo y la lactancia.
Problemas hepáticos
El vino es bueno para tu hígado. Si eres una persona sana, el consumo regular y moderado –una vez más, moderado- de vino no solo es bueno para tu hígado sino que además lo fortalece al reducir el riesgo de desarrollar cirrosis, según varios estudios realizados en los últimos años. Pero no solo eso, estas mismas investigaciones han concluido que además el consumo moderado y regular de vino evita la acumulación de grasa en el hígado y el desarrollo de la enfermedad del hígado graso. Puedes leer una de las investigaciones más recientes a este respecto aquí.
Sin embargo, estas consideraciones hay que tomarlas con cautela, ya que si tu hígado está dañado, el alcohol, aunque sea en pequeñas dosis, puede agravar seriamente tu salud. El problema es que a veces el hígado puede estar dañado pero no presentar síntomas (enfermedad silenciosa). Por ello es recomendable realizarse análisis periódicos y siempre consultar con tu médico.
Propiedades del vino y la salud
[Fuente: www.vinetur.com]

Inauguració de l'exposició itinerant "Pompeu Fabra. Una llengua completa" i estrena del monòleg "Pompeu Fabra: jugada mestra!"


El director general de Difusió del Departament de la Presidència, Ignasi Genovès, i la directora general de Política Lingüística del Departament de Cultura, Ester Franquesa, presenten aquest dijous, 17 de maig, 3 accions emmarcades en la commemoració de l’Any Fabra.  A partir de les 18 hores, a l’Arts Santa Mònica, tindrà lloc la inauguració de l'exposició "Pompeu Fabra. Una llengua completa", i l’estrena del monòleg "Pompeu Fabra: jugada mestra!". També s’inaugurarà l’aparador «El català, una llengua amb futur. Gràcies, Mestre Fabra!» al Palau Robert. 

L’exposició "Pompeu Fabra. Una llengua completa", és una mostra itinerant creada per la Direcció General de Política Lingüística, amb disseny expositiu de bpdisseny; disseny gràfic d’Anna Jordà, guió de Josep Penya i l’assessorament del comissari de l’Any Fabra, Jordi Ginebra. Mitjançant 8 plafons l’exposició presenta de manera planera i amena les dimensions científiques i socials de l’obra de Fabra i també els aspectes més humans de la seva biografia.

La mostra, que es podrà visitar a l’Arts Santa Mònica fins al 7 de juliol, arribarà a 80 espais de 50 localitats al llarg de 2018 gràcies la col·laboració del Consorci per a la Normalització Lingüística i les diputacions de Barcelona, Tarragona, Lleida i Girona. 

Un tennista interpel·la el públic de la sala. Es pot jugar a tennis sense regles? No és possible. En l’esport, com en la llengua, cal compartir unes normes i acceptar-les per jugar bé. Pompeu Fabra, un tennista apassionat, va proposar unes normes per al català que van ser acceptades i compartides per tothom. Aquest és el punt de partida d’un espectacle que utilitza la metàfora esportiva per introduir-nos a la dimensió científica, humana i ciutadana del geni ordenador de la llengua catalana.

L’actor Oscar Intente, dirigit per Maria P. Pla, interpreta aquest monòleg.

La Direcció General de Difusió del Departament de la Presidència dedica l’aparador del Palau Robert a la figura de Pompeu Fabra i al català, coincidint amb l’Any Pompeu Fabra 2018. Aquesta iniciativa pretén apropar a tots els visitants del centre les grans dades de la llengua catalana en l’actualitat i el paper que va tenir Fabra en aquesta situació, amb textos en català, castellà, anglès i francès. Es podrà visitar del 17 de maig a l’11 d’octubre.

[Font: www.gencat.cat]

Critique : Un couteau dans le cœur

CANNES 2018 : Dans son style ultra singulier, Yann Gonzalez propose une relecture très sophistiquée des traditions du giallo dans les coulisses du cinéma porno gay


Vanessa Paradis dans Un couteau dans le cœur

Écrit par Fabien Lemercier

Pour tous ceux qui ne connaissaient pas Les Rencontres d’après minuit [+], le premier long du très original cinéaste français Yann Gonzalez, découvert sur la Croisette, à la Semaine de la Critique 2013, son nouvel opus, Un couteau dans le cœur [+], dévoilé en compétition au 71Festival de Cannes, a été sans nul doute une grande source d’étonnement (ou de perplexité, comme "une biche perdue au milieu des fauves"), tant le style visuel fantasmagorique et l’univers directement inspiré du giallo (qui mêle les genres policier, d’horreur – en l’occurrence le type slasher - et érotique) du réalisateur détonnent dans le cinéma contemporain. En nouant son intrigue dans les coulisses du cinéma porno gay dans le sillage d’une productrice lesbienne (discrètement alcoolique) plaquée par sa compagne monteuse après dix ans de passion, le film s’offre également une dimension de miroir où le voyeurisme et les masques ne sont pas forcément là où l’on pourrait s’y attendre, la crudité distanciée par un humour certain (qui ne va pas sans rappeler parfois, en version industrie artisanale, le Boogie Nights de Paul Thomas Anderson) voisinant avec les mystères de l’être car "quand on s’oublie avec l’autre, les autres, une forme d’amour puissant, vorace, sans limites" se manifeste, mais "sous les arbres, pendant l’orage, on risque de se brûler". 

Le film s’ouvre sur une séquence explicite en boîte de nuit suivie d’une esquisse de baise haletante (avec liens) conclue par le meurtre d’un beau gosse, "poignardé à plusieurs reprises dans le rectum" comme le précisera la police à Anne (une parfaite Vanessa Paradis), dont la société de production est en train de tourner, à l’été 1979, Furie anale, un énième film ("de merde" comme le constate la monteuse Loïs, incarnée par Kate Moran) dans la carrière de la productrice. Comme la victime faisait partie de la petite famille que constitue la troupe des comédiens pilotée par l’homme à tout faire Archibald (Nicolas Maury) et qu’un autre meurtre survient très rapidement, l’atmosphère est à l’inquiétude parmi les acteurs. Mais Anne en profite surtout pour adapter le contenu du film (dont le titre devient Le Tueur homo) avant d’enchaîner avec Maléfices, tandis que l'assassin (très Fantôme de l’Opéra) continue à semer la terreur, que des indices se révèlent (hommage à L'Oiseau au plumage de cristal de Dario Argento) et que notre productrice tente obsessionnellement de reconquérir Loïs, la traquant de nuit dans les clubs lesbiens, le cœur sec et prenant conscience que derrière les voiles du réel se cachent l’amour de soi, celui la domination et le rêve de meurtre. 

Filmé avec une très grande maestria dans des décors et une palette de couleurs envoûtants, du bleu sombre zébré de rouge par exemple, Un couteau dans le cœur sait aussi ponctuellement s’extraire de son monde nocturne de prédilection (entre autres pour un déjeuner sur l’herbe où l’on se lit du Garcia Lorca) et s’amuse à jouer avec les différents formats des films dans le film ou avec des souvenirs qu’il distille. À la fois portrait du petit monde du porno gay, brillant spectacle baroque (notamment avec une fascinante séquence onirique), film à whodunit dans lequel rôde un monstre (qui ? pourquoi ?), le long métrage crée néanmoins une telle distance avec des émotions tempérées qu’il ne suscite pas d’emballement excessif au-delà de son admirable forme. 

Produit par CG Cinéma et coproduit par Arte France Cinéma, Piano (Mexique) et Garidi Films (Suisse), Un couteau dans le cœur est vendu à l’international par Kinology.


[Source : www.cineuropa.org]




Professor da USP propõe taxar fortunas em vez de reformar Previdência

O professor da USP Paulo Feldmann mostra como é hipócrita a proposta de reforma da Previdência que penaliza todos os trabalhadores enquanto o Brasil abre mão de grande arrecadação de impostos taxando os muito, muito ricos.

Paulo Feldmann


Sem Previdência, só taxando fortunas
A previsão de que 2018 fechará com grande buraco nas contas públicas está praticamente confirmada. Dessa forma, os gastos do governo vão exceder as receitas em cerca de R$ 180 bilhões –este é o tamanho mínimo do déficit fiscal.
Infelizmente, este ano está perdido, com todas as consequências negativas que um buraco desse tamanho nos causa. O endividamento vai crescer muito porque não há outra forma para o governo continuar honrando suas contas e compromissos. Com isso, as agências de rating vão rebaixar ainda mais a avaliação do Brasil, o que dificultará a vinda de recursos estrangeiros.
Mas há uma saída que deveria ser tentada, pois pode trazer efeitos já em 2019. É uma mudança na forma de tributação das famílias muito ricas –que, para passar a valer ano que vem, precisa ser aprovada ainda este ano, conforme reza a Constituição brasileira.
Todos sabem que temos uma das piores distribuições de renda do mundo. Por que não fazermos algo para atenuar essa situação?
O imposto de renda no Brasil apresenta inúmeras distorções na forma como está concebido. Uma das principais é a que estabelece uma alíquota fixa de 27,5 % para todos aqueles que recebem mais que R$ 4.664 por mês.
Com isso, o imposto efetivo para quem tem renda mais alta é menor que o imposto pago pelos que ganham bem menos. Isso se dá por conta de abatimentos, descontos e isenções que favorecem rendas mais altas. No caso, a faixa de renda mais alta de todas (aquela para quem tem renda mensal maior que R$ 160 mil) abrange cerca de 60 mil contribuintes, o que equivale a apenas 0,2 % do total.
O problema é que esse pequeno grupo paga muito menos imposto que as outras camadas. Sobre esses muito ricos incide uma alíquota efetiva de imposto de renda, como é chamada pela Receita, de apenas 6%; ao passo que, por exemplo, para uma das faixas da classe média, a que tem renda mensal entre R$ 30 mil e R$ 40 mil, a mesma alíquota é de 12 %.
Com a simples mudança na alíquota efetiva dos muito ricos, passando dos atuais 6% para 9%, conseguiríamos arrecadar cerca de R$ 186 bilhões a mais por ano.
Apenas essa simples correção já permitiria, por si só, uma arrecadação que cobriria praticamente o rombo previsto para este ano.
Todas as vezes em que tivemos grandes rombos fiscais como o atual, a solução adotada foi aumentar ainda mais a carga tributária, o que acaba onerando quase toda população. Se desta vez taxarmos só os muito ricos, teremos a possibilidade de inclusive atenuar um dos aspectos mais injustos, que é essa perversa distribuição de renda.
As eleições se aproximam, e esse assunto não pode ficar de fora dos debates.

Paulo Feldmann é professor da FEA-USP; foi presidente da Eletropaulo (governo Covas) e sócio da EY (antiga Ernst & Young)

[Fonte: www.blogdacidadania.com.br]

Décès de l’orientaliste Bernard Lewis



Publié par Shraga Blum


Celui qui fut l’un des plus grands spécialistes mondiaux du Moyen-Orient, du monde musulman et de son interaction avec l’Occident est décédé samedi dans le New Jersey à l’âge de 102 ans. Bernard Lewis, double citoyen britannique et israélien, était l’auteur de plus de quarante ouvrages de référence sur ces sujets qui sont devenus au fil des ans d’une brûlante actualité.
Il a notamment écrit sur l’antisémitisme musulman qui selon lui aurait pris une grande ampleur au 19e siècle sous l’influence de diplomates occidentaux d’une part et de chrétiens d’Orient (Grecs, Arméniens, Arabes maronites) d’autre part. C’est lui qui inventa dans les années 1970 le terme de “choc des civilisations” en décrivant les relations entre l’Occident et le monde musulman comme un balancier et une suite de prises de pouvoir alternées entre un bloc et l’autre. Il reprochait notamment au monde musulman d’avoir pour ennemi la démocratie, et dès lors, d’avoir soutenu les totalitarismes contre les démocraties: le nazisme contre les Alliés et le bloc communiste contre les États-Unis.
Sur le conflit israélo-palestinien, Bernard Lewis n’était pas opposé à un État ‘palestinien’ mais considérait que le processus de paix est bloqué à cause de l’enracinement antisémite que l’on retrouve par tradition dans la politique arabe notamment sous l’influence des thèses des Protocoles des Sages de Sion. Selon lui, c’est au nom de l’Islam que se manifeste l’opposition la plus farouche contre le processus de paix. 
Le ministre de l’Education Naftali Benett, qui a salué la mémoire du professeur, a rappelé ce qu’il lui avait répondu il y a quelques années lors d’une rencontre à la Knesset, concernant l’Iran. Faut-il considérer les déclarations iraniennes sur la destruction d’Israël comme sérieuses ou comme une simple rhétorique? “Ils sont très sérieux. Croyez-les! Il s’agit du coeur de leur idéologie”, avait répondu le chercheur. Il ne s’était pas trompé.


[Photo : Moshé Shaï / Flash 90 - source : www.lphinfo.com]

Patrick Modiano y la porosidad del tiempo

Escrito por ÓSCAR P.

Vilhelm Hammershøi – ‘’Las ventanas altas’’ (1913)
Una buena introducción a Modiano sería decir que cada uno de sus libros aspira a cualquier cosa menos a ser un best seller. Y es que Modiano apenas hace algún esfuerzo en intentar proyectar una sensación de "tensión narrativa": los suyos no son libros a ser devorados con impaciencia. Más bien, en ellos la trama se dispersa por los recovecos, calma y vaporosa, fluyendo del pasado criminal de uno de sus personajes al extraño ángulo en que la luz cae sobre la faz de una mujer desconocida; del odio a los progenitores al andar temeroso de un anciano en el metro; de la belleza del río Sena al suicidio de la amada; de lo particular a lo general, en fin, y vuelta a lo particular, pero es que en la obra modianesca tal suerte de distinciones y jerarquías lógicas se difuminan. En ella, pasado y presente se funden en una masa amórfica de detalles, vislumbres y comentarios.

Tal amalgama, masiva e intemporal, se presenta indiferente, anárquica, ajena a los diferentes departamentos en que nosotros nos hemos esforzado en organizar el tiempo (años, meses, semanas: toda esa mentira). Lo mejor que puede hacer el lector que pose sus ojos en una novela de Modiano es, pues, dejarse llevar por tal colusión de irregularidades temporales. Y es que el sentido de tales novelas no se haya en las acciones de los personajes y su lógica, es decir, en cómo estas van enhebrando una "historia", una "trama"; más bien se haya en cuestionar la posibilidad de una historia, la posibilidad de una trama. Intentaré que esto se entienda a lo largo del artículo.
Modiano escribe siempre lo mismo. Él no escribe novelas, en plural: él hace variaciones de la misma novela, una y otra vez, escribiendo y expulsando de sí la inquietud por la porosidad del tiempo, su indefectible debilidad. Ese núcleo, esa inquietud por el pasado y su liquidez, irradia cada recoveco de su obra, y Modiano prueba de apaciguarse con una producción que, aunque no desaforada, si que podríamos tildar de insistente, obsesiva.
El pasado. Sin duda este ocupa la centralidad de toda su obra, de sus obsesiones y personajes. Y es que el pasado es grácil; nosotros, inmersos en los quehaceres cuotidianos de la vida, pensamos que este está naturalmente recluido en sus fronteras "dejadas atrás" pero, sin embargo, es terriblemente vaporoso y, muchas veces, sin que podamos llegar a darnos cuenta, invade nuestra mente, la obnubila con sus actos no cerrados, con sus personajes no desaparecidos, con sus palabras aún hoy (¡tantos años después!) no silenciadas (nutritivas, coloreadas, vívidas: la memoria es la antítesis del silencio). Modiano trabaja justamente sobre esa monstruosidad de pasado que anida en nosotros orgánica, pacíficamente. Lo atiza, lo revive, se sumerge en él. Y eso implica, quieras o no, recrearlo, forjarlo, darle otra vida. Porque esa es una peculiaridad del pasado: que aunque todos reconocemos su absoluta realidad en tanto que algo acabado de nuestra vida, a su vez se forja una y otra vez en las manos de nuestra memoria que, al trabajarlo, poco a poca lo deforma y lo hace más suyo. Así, el pasado nunca ha terminado del todo. Siempre crea nuevos afluentes que acabarán derramando en nuestra psique y, así, en nuestras emociones y comportamientos consecuentes (un bar o una canción que nos arrastran súbitamente a un recuerdo, una ausencia que nos evoca la fluidez de la nada, el tono de una luz que rasga el presente).
Abrimos La hierba de las noches. Comienza así. «Y, pese a todo, no lo he soñado. De vez en cuando me sorprendo diciendo esta frase por la calle, como si oyera la voz de alguien más. Una voz átona. Me vienen a la cabeza algunos nombres, ciertos rostros, ciertos detalles (…)». La voz átona. ¿Nunca has sentido esa sensación de que, ante la brutal realidad de un pensamiento, ya sea un recuerdo o una imaginación, lo que sea, entonces paradójicamente la realidad, lo que realmente tienes ahí delante, lo que te habla, lo que te toca, lo que está ahí, aparece más bien velado, más bien átono? En esto se ven inmersos los personajes de Modiano una y otra vez. El presente es una representación soñolienta que solo sirve para confundir de esa vida auténtica que es el pasado. «Aquel domingo por la tarde acabé persuadiéndome de que el tiempo es inmóvil y que si de verdad me escurriera por lo brecha lo reencontraría todo, intacto». El tiempo está ahí, como dispuesto en un bloque que podemos deformar y penetrar, como un todo en el cual estamos y podemos pasear tranquilamente, ora dirección pasado, ora dirección presente. «Detrás de los vidrios, la habitación está vacía, pero alguien ha dejado la luz abierta. Para mí no ha habido nunca ni presente ni pasado. Todo se confunde, como en esta habitación vacía donde brilla una luz, cada noche». Solo hay que esperar a que aparezcan esas brechas que se abren en nuestro engarzado presente, cuando algo de nuestra realidad nos sugiere un pasado tan erótico que nos quiebra la conciencia; déjate entonces llevar por las mieles de lo que ya fue, déjate escurrir por esa grieta. El presente no te proporcionará mejores dulces.
El pasado secuestra pues a nuestros personajes modianescos, con todos sus pasillos movibles, sus muebles polvorientos y un París lejano, cuasi mítico, bien lejano de aquel del presente, azotado al son de la modernidad y sus veleidades. Algunos personajes pasean por el París presente, el París átono, y en él no ven más que reminiscencias, aromas, fantasmas. Absolutamente indiferentes a las luces y al espectáculo, se recluyen en la buhardilla de sus memorias proyectantes. Ahí ese bar en el que conoció a alguien, ahí ese piso en el que vivió de joven. La vida que se desarrolla en el presente es, en la obra de Modiano, una futilidad. Algo insignificante, un hilo frágil. Algo que está porque debe estar, porque está. Pero es en el pasado donde podemos sentir que hemos tenido algo a lo que podemos llamar vida. Con sus sustratos y sus ebulliciones; con sus sintonías y sus desgarres, con sus desarraigos y sus contradicciones. El pasado se ramifica constantemente y luego se reúne de un soplo, se desvanece y a la vez se crea, se sustenta y se destroza. Tú crees jugar con él, pero en realidad éste juega contigo; flota en ti, masa holística, y crea tus imágenes, de ti y del mundo; te escribe, te lee, te calla y te duerme; te mece en sus escenarios cuasi míticos, te deja jugar con las flexibilidades de su guion, y tú que te hundes bien profundo en él y, mientras, contemplas de reojo un presente átono. Pasado: poesía inconstante.
Pero en medio de esta marea del pasado, holística a la par que sin sentido, el hombre necesita de puntos fijos para no perder el sentido común: necesita de piedrecitas que le guíen en el remontarse hacia los albores. De ahí entendemos que el protagonista de La hierba de las noches recupere una extraña y modesta libretita en que apuntaba, años atrás, diferentes cosas. Cosas absolutamente anodinas (imágenes, direcciones a menudo azarosas, nombres, descripciones faciales; «también hay centenares de pequeños anuncios, copiados de los periódicos. Perros perdidos. Apartamentos amueblados (…)») pero que, sin embargo, en la lejanía del presente que mirará hacia atrás, se convertirán, quizás justamente por su descarada fragmentación, en las sendas por las cuales discurrirá ese recordar del protagonista, quien jugará a entender, pero nunca entenderá el juego.
Tales puntos fijos son una constante en la obra modianesca. Libretitas, apuntes, nombres de calles… Los personajes dejan miguitas de pan para no desvanecerse del todo en la niebla, marcas de tinta para agarrarse a pequeñas verdades, rinconcitos donde cobijarse y calentarse, siempre de paseo por calles de París. «Estás solo, atento, como si quisieras captar las señales de Morse que te envía, desde muy lejos, un corresponsal desconocido». La mayoría de tales señales se perderá para siempre. Son demasiado fragmentarias, han quedado completamente desgajadas de cualquier otra pista, recuerdo, cualquier otra realidad superviviente. El protagonista mira esos apuntes, como si de su disposición como objeto y de su lectura apresurada pudiera sonar súbitamente una sinfonía del pasado. Pero cuando lo buscas, el pasado se escurre de las zarpas patosas de la conciencia. Nada libre por el éter oscuro de lo pre-consciente, desplegando una libertad desconocida para los hombres. Los recuerdos son las ninfas de la psique. Un juego desastroso.
El pasado, la voz átona, las pistas que hablan en código Morse… ¿y qué hay de nosotros, los humanos? El "protagonista" de La hierba de las noches mira a Dannie coqueteando con un hombre en un bar: «llegó un punto en que no podía distinguirle la cara bajo la luz demasiado fuerte y demasiado blanca del fluorescente. No era sino una mancha luminosa, sin relieve, como en una foto sobreexpuesta. Un blanco». Las cosas existen, sí, ¿pero hasta qué punto? ¿Hasta qué punto es seguro ese recuerdo que me rasga y me martiriza por las noches, antes de ir a dormir? ¿Hasta qué punto puedo esperar algo de la vida, esa ventana que, iluminada, con presencia innegable, engendra un vacío? No hay épica alguna; hay paseos, borrones, distorsiones. Hay vida de seres humanos que, como humanos que son, titilan al soplo del tiempo, se desdibujan, se recrean, envejecen. Dannie es una silueta confusa que traviesa toda La hierba de las noches.
Va con el protagonista a distintos cafés, se cuela en casas, recibe el correo en una oficina que no es la de su barrio. Y no acepta dar respuestas. Su historia se pierde en una borrosidad impenetrable. Simplemente está ahí, con su presencia, con su misterio. El protagonista no es mucho mejor; gira sobre sí mismo y, a otro nivel, gira sobre toda su propia vida, pues gira alrededor de su historia, y su pasado y su presente devienen planos que se superponen y se acoplan constantemente, que fundan una nueva realidad yuxtapuesta a la nuestra, como placas tectónicas que, al chocar, se elevan sobre la mediocridad del tiempo, creando sus cordilleras atemporales. Toda novela de Modiano se podría entender como un monólogo ditirámbico de un protagonista instalado en tales alturas atemporales, paseando indistintamente por los pasillos que unen las parcelas del tiempo, nostálgico quizás de tener una relación más simple, más orgánica con este. Las novelas de Modiano resiguen la topografía de tales cordilleras, terrenos vírgenes de temporalidad, huertos de la nada, meros mapas de añoranza sosegada.
Y la lectura de tales materiales es una experiencia placentera. El lector encontrará una reflexión sutil y elegante sobre el tiempo y el curso de nuestras vidas. La de Modiano es una obra humilde a la par que grandiosa. Sin más: hay que leerla.

[Fuente: www.culturamas.es]

domingo, 20 de maio de 2018

Le siècle du jazz

Événement artistique majeur du XXsiècle et « musique hybride, le jazz a marqué la culture mondiale de ses sons et de ses rythmes ». Conçue par le philosophe et critique d’art Daniel Soutif, cette exposition a présenté en 2009, au Musée du quai Branly, en distinguant dix sections chronologiques, les relations au XXe siècle entre le jazz et les arts graphiques. De « la peinture à la photographie, du cinéma à la littérature, sans oublier le graphisme ou la bande-dessinée, l’exposition montre plus particulièrement le développement du jazz en Europe et en France dans les années 1930 et 1940 ». Arte diffusera le 20 mai 2018 à 22 h 50 "Le jazz : une arme secrète" (Geheimwaffe Jazz), par Hugo Berkeley (87 min.).



Publié par Véronique Chemla

1917 marque la « naissance » du jazz annoncé notamment par les gospels, cake-walk et ragtime. jazz est si en vogue dès l’après Première Guerre mondiale aux États-Unis que l’expression « Jazz Age », forgée par l’écrivain Francis Scott Fitzgerald, désigne ces « années folles ». Des années au cours desquelles s’illustre Paul Whiteman et émerge à Harlem une culture afro-américaine, majoritairement musicale. Le jazz inspire des artistes, afro-américains ou non.


Les Européens découvrent ces rythmes syncopés grâce à la venue de l’orchestre militaire de James Reese Europe, de spectacles de Harlem, notamment la Revue nègre dont une artiste, Joséphine Baker, est sublimée par le dessinateur Paul Colin.


Histoire a diffusé De Harlem à Montmartre, documentaire d'Olivier Simonet, les 9 et 12 juillet 2014 "L'irruption du jazz dans le Paris des années folles, à l'abri de la ségrégation en vigueur aux États-Unis. Une épopée jubilatoire. Le jazz serait-il né en France ? Ce film retrace une partie de sa genèse à Paris, au lendemain de la Grande Guerre, autour des musiciens noirs américains, soldats engagés dans le conflit et restés en Europe. Dans la trépidante vie culturelle de la ville-lumière, leur art s'épanouit librement, à l'abri de la ségrégation raciale qui sévit outre-Atlantique. Pendant les deux décennies suivantes, ils créent une communauté socio-musicale d'expatriés dans le quartier de la Butte Montmartre. Certains, comme Josephine Baker et Sidney Bechet, y ont accédé à la célébrité, d'autres ont été oubliés, mais tous ont contribué à cette fascinante épopée du jazz, entre l'Amérique et la France. Inspiré du livre éponyme de l'historien William A. Shack, le film retrace leur histoire grâce à des documents d'archives, dont certains inédits, provenant des deux côtés de l'Atlantique, et à des témoignages".

The Jazz Singer
En 1927, le premier film sonore, parlant, américain est The Jazz Singer (Le chanteur de jazz), film d'Alan Crosland sur une musique de Louis Silvers. Le héros, Jakie Rabinowitz, est un chanteur américain juif qui s'éloigne de la tradition incarnée par son père, chantre dans les synagogues, pour entamer une carrière à succès à Broadway... Adapté de The Day of Atonement, nouvelle (1922) devenue une pièce de théâtre de Samson Raphaelson, ce film a reçu un "Oscar d’honneur lors de la première cérémonie des Oscars en 1929".

Grands orchestres


Durant les années Swing (1930-1939), les grands orchestres de Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, le clarinettiste Artie Shaw – avec Billie Holiday - ou Glenn Miller excellent, et séduisent Hollywood.

Ray Ventura et ses Collégiens, Mireille, Charles Trénet et d’autres contribuent à introduire le jazz en France. 


Enseignant communiste américain, Abel Meeropol (1903-1986), ou Lewis Allan, écrit en 1939, après avoir vu l'image d'un Noir lynché dans le sud des États-Unis, le poème Strange Fruit, publié dans la revue marxiste The New Masses. Il compose la musique de ce poème. La chanson devient populaire dans le milieu de la gauche américaine, et est créée par Billie Holiday en 1939, au Café Society. "Southern trees bear a strange fruit, blood on the leaves, blood on the root … strange fruit hanging on the poplar trees..." Billie Holiday a aussi interprété My Yiddishe Mamme.

Louis Armstrong


Surnommé Satchmo (satchel-mouth, bouche-sacoche) ou Pops, le trompettiste et chanteur Louis Armstrong (1901-1971) chante les gospels, blues et invente le scat, jazz qui substitue des onomatopées aux paroles et dont l'une des éminentes chanteuses est Ella Fitzgerald.

Né à la Nouvelle Orléans, élevé sans père au foyer, Louis Armstrong travaille enfant auprès d'une famille juive pauvre d'origine lituanienne qui le considère comme un membre de la famille, le nourrit, lui donne affection et lui enseigne "comment vivre : la vraie vie et la détermination".

Ella Fitzgerald

Le 16 avril 2017, Arte diffusa Pure Love - The voice of Ella Fitzgeralddocumentaire de Katja DureggerLa "grande dame du jazz aurait eu 100 ans le 25 avril. Dotée de l'oreille absolue, d'une intonation parfaite et d'une impressionnante tessiture s'étendant sur trois octaves, elle se frotta avec la même aisance au be-bop et au scat improvisé. Retour en forme d’hommage sur la vie et la voix de l’immense Ella Fitzgerald".


"Née le 25 avril 1917 en Virginie, Ella Fitzgerald a marqué le monde du jazz d'une empreinte indélébile. Dotée de l'oreille absolue, d'une intonation parfaite et d'une impressionnante tessiture s'étendant sur trois octaves, elle commence sa carrière à 17 ans et devient en quelques années l’une des chanteuses de swing les plus réputées d'Amérique. Se frottant avec la même aisance au be-bop et au scat improvisé, elle entrera dans la légende comme la "First lady of jazz". Elle semblait un instrument parmi les instruments de l'orchestre de Chick Webb où elle a débuté. En 1955, Marilyn Monroe a soutenu Ella Fitzgerald, en butte au racisme.

"En s’appuyant sur de foisonnantes archives filmiques et photographiques, qui l'ont immortalisée sur les scènes du monde entier, en répétition ou en interview, ce documentaire rend un vibrant hommage à la reine du jazz, et à l'héritage qu'elle a laissé à la musique actuelle. On y croise des musiciens et des chanteurs profondément marqués par son œuvre, mais aussi des chercheurs en psychologie de la musique et en neurologie, qui explorent, sous un angle inattendu, la magie sans pareille de sa voix".

Eddie Rosner


"Trompettiste, compositeur et chef d’orchestre allemand d’origine polonaise", Eddie Rosner (1910-1976) est "quasiment inconnu en France, cet enfant prodige du jazz surnommé « l’Armstrong Blanc » par Louis Armstrong. lui-même devint, au terme d’une épopée poignante, le « tsar » du jazz en U.R.S.S. "Récompensé par un Emmy Award, Le Jazzman du Goulag (Ideale Audience International et France 3, 1999) de Pierre-Henry Salfati évoque, grâce à des documents d’archives inédits, la vie extraordinaire d’Eddie Rosner, trompettiste, compositeur et chef d’orchestre allemand d’origine polonaise. Inconnu en France, cet enfant prodige du jazz surnommé « l’Armstrong Blanc » par le maître en personne devint, au terme d’une épopée hors du commun, le tsar du jazz en Union soviétique. Persécuté par les Nazis en tant qu’artiste dégénéré, placé au rang de musicien d’État par Staline avant d’être banni et déporté au goulag, Rosner a connu la gloire et le déshonneur, le génie et la pauvreté. Cet homme à part a tout possédé et tout perdu... sauf son amour du jazz". 


Le 13 janvier 2016, à 20 h, la Mediathèque Alliance Baron Edmond de Rothschild de l'Alliance israélite universelle (AIU) a proposé, dans le cadre du Ciné-club animé par Samuel Blumenfeld, journaliste au Monde, la projection de Le Jazzman du goulag (1999), documentaire de Pierre-Henry Salfati récompensé par un Emmy Award. Cette projection a été suivie par une rencontre avec le réalisateur". Les 27 juillet, 1er, 6 et 10 août 201618 août à 10 h 10, 24 août à 9 h 45 et 30 août 2017 à 9 h 40Histoire diffusera Le Jazzman du Goulag de Pierre-Henry Salfati qui évoque, grâce à des documents d’archives inédits, la vie extraordinaire d’Eddie Rosner.

Jazz et arts


Durant la Seconde Guerre mondiale, le jazz participe à l’effort de guerre. À New York, le Boogie Woogie inspire Mondrian émigré. À Paris, les Zazous séduisent ou irritent. Matisse et Dubuffet peignent le jazz, et William H. Johnson s’intéresse à la danse Jitterbug.

Le graphiste Alex Steinweiss (1917-2011) dessine la première pochette de disque pour Columbia.

Charlie Parker, Dizzy Gillespie, bahaï depuis 1968 et qui s'est produit à deux reprises en Israël, Thelonious Monk, Miles Davis et d’autres lancent le Bebop (1945-1960).

Le jazz influence les peintres expressionnistes abstraits (Jackson Pollock).

Avec le microsillon, la pochette de disque (Record Cover) bénéficie de talentueux graphistes et photographes : Lee Friedlander, Herman Leonard.

Des artistes de jazz se produisent dans les salles de spectacle européennes ou collaborent à des firmes discographiques en France. Formé auprès de Nadia Boulanger, Quincy Jones est recruté par le label Eddie Barclay.

Les cinéastes sont séduits par le jazz moderne, notamment Louis Malle, qui choisit Miles Davis, qui improvise la musique de son film Ascenseur pour l’échafaud (1957) avec Jeanne Moreau, en voyant les images de ce long métrage.

Si « le Bebop est noir et new-yorkais, le West Coast Jazz » s’épanouit à Hollywood.

Le Free Jazz d’Ornette Coleman (1960) signe l’avant-garde libertaire, parallèlement aux mouvements de revendication des Noirs.


Le jazzman américain Dave Brubeck est l'auteur notamment d'une Cantate juive (1969), œuvre musicale commandée en 1968 par le rabbin Charles D. Mintz, directeur du Conseil de Pennsylvanie de l’Union des congrégations américaines hébraïques afin d'établir un pont entre Juifs et Noirs.

Quant au « jazz contemporain » (1980-2002), il s’articule autour de trois pôles : à New York un Bebop historicisé et une « tradition libertaire et avant-gardiste dans de petits clubs célébrant sa composante juive », ainsi que, dans le reste du monde, des « descendances ».


Addendum sur le Jazz israélien

La 27e édition du festival de jazz de la Mer Rouge à Eilat (Israël) a eu lieu du 18 au 21 août 2013.


Le 28 août 2013, le saxophoniste israélien Daniel Zamir, qui avait représenté Israël à Jazzahead! (25-28 avril 2013) à Brême (Allemagne), a donné un concert à l'université de Witwatersrand (Wits) en Afrique du Sud. Des membres d'un groupe BDS, dirigé par l'étudiant Muhammed Desai, ont manifesté devant la salle du spectacle contre cet artiste en apostrophant les spectateurs - "Vous avez le sang d'enfants palestiniens sur votre jersey", "Israël apartheid" - chantant "Dubula e Juda” (“Tuez un Juif”), dérivé du chant "Dubula Ibhunu” (“Tuez les Boers”) datant de l'époque du régime de l'apartheid et déclaré en mars 2010 contraire à la constitution par la justice sud-africaine. Un jugement qui a indigné l'ANC (Congrès national africain).  Le 13 mars 2013, lors de la "Semaine de l'apartheid d'Israël" dans cette université, le pianiste israélien Yossi Reshef a été contraint d'interrompre son concert en raison d'individus pro-BDS surgissant sur la scène, et soufflant dans leurs vuvuzelas, après avoir chanté "Dubula Ibhunu” devant le lieu du spectacle.


Gilad Hekselman Trio a donné des concerts au Duc de Lombards (12-14 décembre 2013) au Duc des Lombards, et, avec trois formations de jazz israélien : Shai Maestro Trio, Eli Degibri Quartet, et Omer Klein (solo) -, à "You & the Night & the Music", le 16 décembre 2013 à 20 h à l'Olympia, à Paris. Eli Degibri a donné des concerts à Paris (20-23 décembre 2013) au Duc des Lombards, à Paris.

Née en Israël dans une famille pieuse d'origine éthiopienne, Ester Rada associe les rythmes du jazz à la musique soulreggaefunck et groove. Auréolée du succès de Life Happens, elle s'est produite au Jamel Comedy Club le 10 mars 2014, à 20 h, à l'Embarcadère d'Aubervilliers dans le cadre du festival Banlieues bleues le 15 mars 2014 à 20 h.

Le contrebassiste Omer Avital s'est produit au Café de la danse le 28 avril 2014. Après avoir étudié en Israël et à New York, il suit un parcours atypique et varié : il a accompagné les plus grands - Wynton Marsalis, Brad Mehldau et Kenny Garrett - et présente des "compositions aux mille influences et nuances, avec la crème de la scène jazz israélienne et new-yorkaise". Son album New Song est sorti le 6 mars 2014 chez Plus Loin Music/Abeille Musique.

Le Yaron Heman Quartet s'est produit dans le cadre du festival Tempo Jazz de Vincennes, le 18 mai 2014, à l’Auditorium Jean-Pierre Miquel à Cœur de ville, et Omer Avital Quartet les 21, 22 et 23 mai 2014 au Duc des Lombards.

"C’est aux côtés d’Herbie Hancock qu’Eli Degibri, à coup sûr l’un des grands saxophonistes de demain, se produit dès l’âge de 18 ans. On le retrouve plus tard aux côtés de Ron Carter, Al Foster, Brad Mehldau… Aujourd’hui, il est retourné vivre au pays, en Israël, et y travailler notamment avec Ofri Nehemya et Gadi Lehavi dont la jeunesse, confrontée à l’expérience et la maturité de Barak Mori, lui a permis de composer en « prenant de nouvelles directions » et de « réinventer un univers musical ». Saxophoniste, Eli Degibri se produira dans Jazz sur son 31 en quartet avec Gadi Lehavi, pianiste, Barak Mori, à la basse, et Ofri Nehemya, à la batterie, le 25 octobre 2014 à 22 h au Club New York/Automne Club à Toulouse. Il y interprétera des airs de son dernier CD Twelve (Plus Loin Music). "« Quand je quittais Tel Aviv pour Boston il y a 17 ans, je nourrissais l’espoir de revenir tôt ou tard à la maison afin de partager Ma musique avec Mes amis. C’est désormais chose faite avec cet album intitulé Twelve, enregistré aux côtés de Gadi Lehavi au piano (16 ans), Ofri Nehemya (18 ans) à la batterie, ainsi que mon meilleur ami à la contrebasse, Barak Mori. L’insouciance de Gadi et Ofri m’a incité à réinventer un univers musical, à prendre de nouvelles directions et de nombreux risques aux côtés de Barak. La jeunesse de Gadi et Ofri, associée à la maturité et à l’expérience de Barak et moi-même, est rapidement devenue le catalyseur de ce groupe à travers mes compositions. Sans âge, la musique traverse le temps et, à ce titre, j’ai le sentiment d’être resté un enfant », a déclaré Eli Degibri.

"Né le 20 avril 1970 à Kibbutz Kabri, en Israël, Avishaï Cohen est un contrebassiste, chanteur et compositeur israélien. Après avoir commencé le piano à l’âge de 9 ans, c’est la musique et l’intensité du bassiste Jaco Pastorius qui changea la direction musicale de Cohen, ce dernier décidant finalement d’étudier la contrebasse avec Michael Klinghoffer pendant deux ans. Il part ensuite à New York, où il se met en contact avec de nombreux musiciens de jazz. Il s’inscrit au Mannes College The New School for Music et s’intègre à plusieurs groupes de musique. Il est finalement repéré par le pianiste Danilo Pérez et, peu après, par le pianiste Chick Corea, qui lui offre un contrat d’enregistrement. Cohen forme avec Corea le sextet Origin en 1996, y restant pendant 7 ans avant de le quitter en 2003 afin de créer son propre label, Razdaz Records, ainsi que son propre groupe, le Avishai Cohen Trio (composé de Cohen, Mark Guiliana à la batterie et Shai Maestro au piano). Le premier album du nouveau label de Cohen, Lyla, est un mélange de musique jazz, rock, pop, latin, et même funk".


"Inspirée de ses origines et de cultures variées, la musique de Cohen est une synthèse de musiques du Moyen-Orient, de l’Europe de l’ Est et même d’idiomes musicaux afro-américains. Cohen a travaillé avec de nombreux musiciens de genres différents, tels que Bobby McFerrin, Herbie Hancock, Kurt Rosenwinkel, Alicia Keys et même avec les orchestres philarmoniques de Londres et d’Israël. Il a aussi produit plusieurs albums. L’album Duende (2012), est une collaboration avec le jeune pianiste Nitai Hershkovits, découvert par Cohen pendant un séjour à Tel Aviv. Un album favorisant un style « chamber classical jazz folk », l’album Duende s’éloigne du style contemporain de Cohen afin de retrouver une voix épurée et sereine" (Biographie de la documentation de Radio France, avril 2013). Le 14 avril 2015, Avishaï Cohen Trio - Avishaï Cohen (contrebasse), Nitai Hershkovits (piano), Daniel Dror (batterie) - s'est produit au Plan (Ris-Orangis), et le cinéma Le Balzac diffusera Le Chanteur de jazz, dans le cadre de Du Shtetl à Broadway.


Élu révélation par le magazine Downbeat en 2012, on a pu entendre le saxophoniste Avishai Cohen au sein du prestigieux « SF Jazz Collective » ou encore à la tête du sextet « the 3 Cohens ». Au Duc des LombardsAvishai Cohen a présenté, dans le cadre du Trumpet Master, les 11 et 12 décembre 2014 "les compositions aux mille couleurs de son dernier album “Triveni - Dark Nights”… Un trio désormais incontournable" et composé de Avishai Cohen (trompette), Yoni Zelnik (basse) et Nasheet Waits (batterie).


Le 14 avril 2015, Avishaï Cohen Trio - Avishai Cohen (contrebasse, chant), Nitai Hershkovits (piano), Daniel Dor (batterie) - se produira au Plan (Ris-Orangis), avec en première partie Hybrid. "Contrebassiste adulé et compositeur hors pair, Avishai Cohen signe son grand retour à sa formation fétiche : le trio acoustique. Avec From Darkness, Avishai Cohen revient donc au cœur même de ce qui articule son langage et sa pratique de musicien. Mais comme toujours avec lui, ce qui semble relever d’un retour aux fondamentaux porte surtout la promesse d’un départ: si le compositeur et contrebassiste israélien ressaisit le bagage de l’expérience, c’est pour mieux prendre le large et partir à la conquête de terres vierges".

Les 26, 27 et 28 novembre 2015Gilad Hekselman s'est produit au Duc des Lombards. "En quelques années, le guitariste Gilad Hekselman s’est imposé comme un incontournable du jazz made in New York d’aujourd’hui. En Trio il présente le répertoire de son nouvel album « Homes » paru chez Jazz Village. The guitarist Gilad Hekselman is a major figure of the made in New york Jazz. He presents his new album in Trio "Homes". Les 24 et 25 mai 2016 à 19h30 et 21h30, le Shai Maestro Trio - Ziv Ravitz (batterie), Jorge Roeder (contrebasse), Shai Maestro (piano) - s'est produit au Duc des Lombards. " Soudé par 3 années de tournées intenses dans le monde entier, Shai Maestro Trio montre une complicité rare sur scène, nourrie par des mélodies profondes et des rythmiques d’une richesse incroyable qui ont permis au Maestro d’imposer son style ! Un trio envoûtant sur disque, magique sur scène". 


"Natif d’un village près de Tel-Aviv, Shai Maestro fait ses armes pendant cinq ans auprès du contrebassiste Avishai Cohen avant d’entamer une carrière de leader. À la tête de son trio composé du contrebassiste péruvien Jorge Roeder et du batteur Ziv Ravitz, surdoué de la polyrythmie, le pianiste a déjà confirmé par deux premiers albums ses talents d’interprète et de compositeur. Si l’on y retrouve le lyrisme et les envolées mélodiques de l’œuvre de son maître époque Gently Disturbed, Shai Maestro s’en distingue notamment par son dynamisme. Avec le répertoire de son dernier album « Untold Stories », il confirme sa virtuosité sans pour autant en faire étalage. Envoutant en album, magique en live, ne manquez pas ce concert exceptionnel ! After a five-year stint recording and touring with bass player Avishai Cohen, pianist Shai Maestro created his acclaimed trio with Peruvian bassist Jorge Roeder and Israeli drummer Ziv Ravitz. After two very well received albums, the trio comes back with "Untold Stories", released in June, that truly displays their poetry and brotherhood in music".

Jazz, "arme secrète"


 Arte diffusera le 20 mai 2018 à 22h50 "Le jazz : une arme secrète" (Geheimwaffe Jazz), par Hugo Berkeley (87 min.). "Retour sur un pan méconnu de la guerre froide, quand les États-Unis menaient bataille au moyen des grands noms du jazz". 

"En 1956, les États-Unis mettent au point une nouvelle arme inattendue contre l’Union soviétique : le jazz. Pour triompher dans la compétition tous azimuts instaurée par Eisenhower, il s’agit de conquérir les esprits par la musique". 

"En envoyant Louis Armstrong, Duke Ellington, Dizzy Gillespie ou Dave Brubeck – les "Jazz ambassadors" – se produire à l’étranger avec leurs groupes, où se mêlent musiciens blancs et noirs, le gouvernement américain entend redorer le blason du pays, face aux critiques soviétiques visant notamment la ségrégation raciale. Pourquoi des artistes noirs, toujours victimes de discrimination dans leur pays, acceptent-ils de véhiculer l’image mensongère d’une Amérique pionnière de la liberté, de l’égalité et de la tolérance ? Alors que le Mouvement des droits civiques prend de l’ampleur, les musiciens, tenus de prendre position, vont retourner cette mission en leur faveur, afin de donner une résonance à la lutte contre la ségrégation".


 "Le jazz : une arme secrète", par Hugo Berkeley  
États-Unis, 2017, 87 min
Visuels
Louis Armstrong (Mi.) 1956 auf der Bühne in Accra, damals Goldküste, vor geschätzten 100.000 Menschen
© Louis Armstrong House Museum

Dizzy Gillespie (re.) versucht sich an einem traditionellen Rabab Instrument in Pakistan.
© Malcolm Poindexter III

Daniel Soutif, Le Siècle du jazz : Art, cinéma, musique et photographie de Picasso à BasquiatFlammarion, 2009. 446 apges. ISBN-13: 978-2081224247

Visuels
 L'ouïe absolue, intonation parfaite, étendue de voix de trois octaves - la voix d'Ella Fitzgerald est inégalée jusqu'à aujourd'hui
© SWR/William P. Gottlieb




Cet article a été publié par L'Arche en une version plus conciseIl a été publié sur ce blog le :
- 3 juin 2012 à l’approche du Festival 100% Tel Aviv Jazz à Paris (5-7 juin 2012) ;
- 9 décembre 2012 à la mémoire du jazzman américain Dave Brubeck décédé le 5 décembre 2012 ;
- 13 janvier 2013 à l'approche du cycle That's Jazz ! sur la chaîne Histoire, les 14 et 15 janvier 2013 ;
- 30 avril 2013 pour la 2e Journée internationale du jazz ;
- 21 mai 2013 à l'approche de Eddie Rosner, jazzman au Goulag, documentaire de Pierre-Henry Salfati, le 23 mai 2013, à 20 h 30, au Centre d'art et de Culture ;
- 7 juillet 2013 pour l'anniversaire du décès de Louis Armstrong, le 6 juillet 2013 ;
- 19 août 2013 pendant la 27e édition du festival de jazz de la Mer Rouge à Eilat (18-21 août 2013) ;
- 4 septembre et 11 décembre 2013, 10 mars et 28 avril 2014 avant la journée internationale de jazz ayant lieu le 30 avril 2014 ;
- 18 mai, 9 juillet, 24 octobre et 11 décembre 2014 ;
- 12 avril 2015. Le 12 avril 2015, à 22 h 40, Arte diffusa Billie Holiday. Un supplément d'âme, documentaire de Katja Duregger ;
- 24 novembre 2015, 12 janvier, 24 mai et 27 juillet 2016 - diffusion par Histoire du documentaire sur Eddie Rosner les 27 juillet, 1er, 6 et 10 août 2016 ;
- 7 décembre 2016, 16 avril et 19 août 2017. Le 6 décembre 2016, Histoire diffusa Le Jazzman du Goulag (1999) de Pierre-Henry Salfati qui évoque, grâce à des documents d’archives inédits, la vie extraordinaire d’Eddie Rosner.


[Source : www.veroniquechemla.info]